Luglio 2026 – Le uscite discografiche

In Indigo, Bria Skonberg conferma il suo ruolo di una delle voci più distintive del jazz moderno, fondendo tromba, canto e composizione in un paesaggio sonoro ricco di sfumature. L’album esplora il colore indaco, simbolo di mistero, introspezione e trasformazione, attraverso melodie avvolgenti e arrangiamenti sofisticati.

Dai toni caldi e intimi ai momenti di energia travolgente, ogni traccia racconta una storia di resilienza e bellezza. Con la sua capacità di passare dal jazz tradizionale a sonorità più sperimentali, Skonberg crea un dialogo tra passato e presente, celebrando la ricchezza della tradizione mentre guarda al futuro.

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In questo album, Seamus Blake rende omaggio a Eddie Harris, uno dei più sottovalutati compositori jazz e soul del XX secolo, reinterpretando con il suo quartetto le composizioni che hanno segnato un’epoca. Con Sam Yahhel alle tastiere, Tim Lefebvre al basso elettrico, Corey Fonville alla batteria e Dawn Pemberton alla voce, Blake porta in vita l’eredità innovativa di Harris, pioniere del sassofono elettrificato e maestro della fusione tra jazz, funk e suoni avanguardistici.

Ogni traccia è una rinascita: dai groove ipnotici ai momenti di pura improvvisazione, l’album celebra la modernità senza tempo di Harris, dimostrando come la sua musica sia ancora oggi fresca e rilevante. Blake, con la sua tecnica raffinata e il suo approccio audace, trasforma ogni brano in un dialogo tra passato e presente, dove l’energia del live si sposa con la profondità compositiva.

The Electrifying Seamus Blake Plays the Music of Eddie Harris non è solo un tributo, ma una conferma: la musica di Harris, come quella di Blake, è un ponte tra generazioni, un linguaggio che continua a ispirare.

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Con Roots & Byways, il leggendario pianista Ran Blake e la vocalist Dominique Eade sfidano l’idea convenzionale di Americana, abbracciando un repertorio che spazia dal jazz a Monk al pop di Whitney Houston. Un progetto che celebra la ricchezza e la diversità della musica statunitense, con un tocco di eleganza francese.

Registrato al Jordan Hall del New England Conservatory, l’album offre 14 brani che uniscono standard, colonne sonore e canzoni folk, reinterpretati con una libertà che solo decenni di complicità artistica possono permettere. Dalla malinconia di Grey December di Frank Campo alla grinta di Lost Highway di Hank Williams, fino a una sorprendente versione di Saving All My Love for You, ogni traccia rivela un dialogo profondo tra voce e pianoforte.

Blake, con il suo approccio orchestrale e giocoso, e Eade, la cui voce sa essere sia intima che potente, creano un’atmosfera dove la fiducia reciproca supera la perfezione tecnica. Un disco che non si limita a onorare il passato, ma lo reinventa, dimostrando che la vera Americana è un mosaico senza confini.

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Con For A Sun That Never Sets, il trombettista Ralph Alessi amplia la sua formazione quartettistica aggiungendo un quinto elemento: il trombonista Joseph Alessi, suo fratello, che arricchisce il suono con linee espressive e dialoghi incandescenti con la tromba. Il gruppo, completato da Matt Mitchell al pianoforte, John Hébert al contrabbasso e Ches Smith alla batteria e vibrafono, naviga temi sincopati con una libertà espressiva che trasforma ogni brano in un’esplorazione unica.

L’album, che alterna momenti contemplativi a strutture angolari e assoli potenti, mette in luce la versatilità di Alessi, il cui tono puro e la capacità di trasmettere emozioni sono evidenti in ogni traccia. Un lavoro che conferma la sua statura di compositore e improvvisatore d’eccezione.

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Africa Brass Live è il nuovo album dal vivo del polistrumentista e compositore Tenderlonious, un omaggio vibrante alle sonorità afrobeat e al jazz più energico. Con il suo 22archestra, Tenderlonious fonde brass pesanti, ritmi danzanti e improvvisazioni avvolgenti, creando un sound ipnotico e coinvolgente. L’album, in uscita a luglio 2026, cattura l’energia di un live dove ogni brano diventa un’esperienza collettiva, tra groove travolgente e momenti di pura magia sonora. Un lavoro che celebra la tradizione mentre spinge verso nuove frontiere espressive.

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Il trio Secret Garden, formato da Enrico Bracco (chitarra), Francesco Poeti (basso elettrico) e Armando Sciommeri (batteria), incanta con un sound che unisce jazz contemporaneo, neo-soul e suggestioni elettroniche. Le loro composizioni originali, firmate da Bracco e Poeti, si distinguono per una scrittura sofisticata, tra esplorazioni armoniche inedite e una cantabilità immediata.

L’album omonimo è un omaggio alla tradizione jazz, con influenze che spaziano dal cool jazz di Tristano alle atmosfere rarefatte della scena europea, senza tralasciare il songbook classico. Tra i brani, spiccano reinterpretazioni come “How Deep Is the Ocean” di Irving Berlin e contrafacts ispirati a “Stella by Starlight” e “All the Things You Are”.

A arricchire il progetto, la collaborazione con il sassofonista statunitense Matt Renzi, la cui voce strumentale aggiunge profondità e personalità al sound del trio. Un album per chi cerca eleganza, sperimentazione e un tocco di magia sonora.

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Il Bassism Trio ridefinisce i confini del jazz contemporaneo con Dreams Must Explain Themselves, un album che esplora le potenzialità di una formazione atipica, priva di strumenti armonici tradizionali. Errico De Fabritis (sax baritono, sax alto, kalimba), Alberto Popolla (clarinetto basso, basso elettrico) e Ferdinando Faraò (batteria, voci) intrecciano low-end densi e dialoghi sonori fisici, dove l’interazione tra i registri gravi diventa il fulcro della costruzione musicale.

Radicati nella tradizione afroamericana ma proiettati verso un linguaggio personale, i tre musicisti – già collaboratori in Roots Magic – fondono composizione e improvvisazione radicale, alternando ritmi incalzanti a atmosfere rarefatte. La voce di Naima Faraò, ospite nel brano omonimo, arricchisce ulteriormente la tessitura sonora dell’album, aggiungendo una dimensione vocale suggestiva.

Pubblicato da Aut Records, Dreams Must Explain Themselves è un viaggio nel jazz sperimentale, dove l’attenzione al suono e la libertà espressiva si incontrano in un equilibrio perfetto. Un lavoro per chi ama l’avanguardia senza rinunciare alla fisicità del groove.

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Illune, debutto del progetto fabioeledistanze guidato dal cantautore pugliese Fabio Nardulli, è un’opera che esplora le zone d’ombra delle relazioni umane attraverso un linguaggio ricercato e ironico. Il disco, prodotto da Dodicilune per la linea Controvento, si muove tra echi di soft jazz, contaminazioni pop ed elettroniche e atmosfere semiacustiche arricchite da loop e sequenze dosate.

La band, formata da musicisti di spessore come Marco Boccia (contrabbasso), Giovanni Chiapparino (batteria, vibrafono) e Marcello Maggi (tromba), dà vita a un sound raffinato, dove le armonie complesse si fondono con la voce esile e intensa di Nardulli. I testi, in italiano, scandagliano fragilità e vulnerabilità con una sottile ironia, mentre il concetto di distanza – fisica, emotiva, metaforica – fa da fil rouge.

Ospiti d’eccezione Daniele Di Maglie e Maurizio Ranieri arricchiscono due brani, mentre il termine illune – assenza di luna – diventa metafora di ciò che non è illuminato, ma comunque emotivamente vibrante. Un album urgente, che ridà peso alle parole e alla comunicazione tra le persone.

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Universal Butterfly è l’incontro di tre voci uniche del jazz contemporaneo: il pianista Milton Michaeli, il contrabbassista Asaf Shchori e il leggendario batterista Hamid Drake. L’album nasce da anni di cammino musicale condiviso, portando in scena un dialogo in cui ogni musicista contribuisce con la propria identità, creando un suono che è al contempo avventuroso e accessibile.

Michaeli, con le sue radici nel jazz e nella tradizione latina, spinge la musica verso territori inesplorati, mentre Shchori trasforma il contrabbasso in uno strumento compositivo, passando da groove profondi a linee melodiche liriche. Drake, custode della tradizione del free jazz, porta una ritmica spirituale e globale, capace di unire passato e presente.

I brani, come For Wilbur Ware / We Travel the Space Ways e Yasmin, intrecciano improvvisazione e composizioni originali, ispirandosi a figure come Sun Ra e Ras Michael. Il risultato è un suono meditativo, espansivo e fresco, che celebra la libertà creativa senza perdere di vista la profondità emotiva.

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Be Quiet è il nuovo album del trombettista e produttore norvegese Nils Petter Molvær, un progetto costruito su nove collaborazioni uniche, ognuna registrata in una città diversa, da Bangkok a Berlino, da Roma a Londra. Ogni traccia è un incontro tra la sua tromba inconfondibile e le voci sonore di artisti come Imogen Heap, John Paul Jones, Alva Noto e Marilyn Mazur, in un dialogo tra jazz, elettronica e suoni ambientali.

Brani come London-Finsbury Park (John Paul Jones) e Berlin-orbit 4 (Alva Noto) esemplificano questa fusione, dove la tromba di Molvær si intreccia con pianoforte, elettronica, percussioni e archi, creando paesaggi sonori fluidi e in costante evoluzione. L’album, accompagnato da un documentario diretto da Per Manning, cattura non solo la musica, ma anche il processo creativo e le relazioni umane dietro ogni collaborazione.

Be Quiet non è solo un album, ma un invito a fermarsi e ascoltare: un lavoro che celebra la bellezza dell’incontro tra diversità culturali e disciplinari, dimostrando come il silenzio possa essere altrettanto eloquente della musica stessa. Un disco che ispira a esplorare il mondo attraverso il suono, con apertura e curiosità.

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Scoperto dopo oltre un decennio negli archivi del produttore Wolfgang Gross, questo doppio CD cattura l’energia unica di un concerto del 2014 a Bielefeld, dove l’orchestra — formata da professionisti e studenti — ha portato in vita le composizioni sfaccettate di Satoko Fujii. Il primo disco è dedicato a Shiki, un’opera monumentale che riflette le molteplici fasi della vita, mentre il secondo disco dà spazio ai compositori dell’orchestra, come Andreas Kaling e Natsuki Tamura. Un album che celebra la gioia della musica collettiva e l’arte di Fujii nel fondere jazz, classica e rock in un linguaggio unico.

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EXCHANGE cattura l’immediatezza magica del jazz dal vivo al Keystone Korner di Baltimore. Non è un semplice documento, ma una transazione: la musica smette di appartenere al compositore, diventa dialogo tra musicisti e pubblico, e si trasforma in qualcosa di unico.

Con ospiti come Warren Wolf, Sean Jones e Imani-Grace Cooper, l’album ridefinisce classici come “Take 5” e propone inediti come “Woody’s Interlude”, dove Brandon Woody dimostra una tecnica che onora la tradizione pur aprendo a nuove sonorità. Birckhead chiude con “Moonlit Waters”, un assolo al clarinetto basso che avvolge l’ascoltatore in un’atmosfera intima.

EXCHANGE è tributo e prova: un disco che va compreso come un unico atto di creazione collettiva, proprio come Art Blakey ha sempre sostenuto. Dall’Autore, attraverso i musicisti, direttamente a te.

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Il quartetto FATHERS, formato da Kenny Beats, Kiefer, CARRTOONS e Nate Smith, porta una ventata di innovazione nel panorama jazz con l’omonimo album di debutto.

Pubblicato da Blue Note Records, il progetto fuse con naturalezza le radici del jazz con beat hip-hop, groove funk e texture elettroniche, creando un sound fresco e stratificato. Ogni traccia dell’album, un viaggio in otto movimenti, dimostra come la tradizione possa dialogare con la sperimentazione senza perdere la sua anima. FATHERS non si limita a suoni: è una dichiarazione di intenti, un manifesto sonoro per una nuova generazione di musicisti che non teme di spingersi oltre i confini.

Un lavoro essenziale per chi cerca un jazz vivo, dinamico e proiettato verso il futuro.

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A 90 anni, il maestro Enrico Intra conferma il suo ruolo di pioniere della sperimentazione. Con IN-TRA IN DUO+, registrato per AlfaMusic, il pianista milanese ridefinisce i confini del jazz e oltre, privilegiando il suono sulla forma. In duo e trio con giovani talenti come Lucia Filaci, Giacomo Serino e Arabella Rustico, Intra costruisce percorsi sonori aperti, dove l’improvvisazione diventa dialogo puro. Brani brevi ma intensi, come “Roma 1” o “InGiac”, bruciano di un’energia istantanea, lasciando una scia indelebile. Il concerto alla Casa del Jazz ha sottolineato la sua visione: musica come condivisione, ascolto e crescita reciproca.

Un album che sfida le convenzioni, dove ogni nota è un invito a uscire dalla gabbia dei linguaggi preconfezionati.

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Con “Coal & Soul”, i Norside portano in primo piano l’anima grezza di Pittsburgh, fondendo soul-jazz, funk e jazz rock in un omaggio alle radici blue-collar della Rust Belt. L’album, ridefinisce il classico formato organ trio con groove contemporanei, improvvisazione audace e toccate afrobeat, come nel brano omonimo arricchito da fiati avvolgenti.

Nato sul palco, il disco cattura la chimica live della band, forgiata anche durante il tour con The New Mastersounds. Ogni traccia respira spontaneità e calore, trasmettendo l’energia di un collettivo che onora la tradizione senza rinunciare all’innovazione. Un viaggio sonoro tra il vintage e il moderno, perfetto per chi cerca profondità, ritmo e autenticità.

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Anaglyph segna l’incontro registrato tra il sassofonista Zack Moir e il contrabbassista Roberto Cassani, un progetto che unisce avant-jazz, free improvisation e sperimentazione elettronica. Il titolo, ispirato alla tecnica fotografica dell’anaglifo, riflette la fusione di due voci musicali distinte in una prospettiva sonora condivisa.

L’album si muove tra melodia, texture e atmosfere, con il sassofono, il contrabbasso e l’elettronica che si intrecciano in un dialogo fluido. I sistemi generativi di Moir reagiscono in tempo reale, amplificando e rifrangendo il suono acustico, mentre Cassani offre un equilibrio tra radice e apertura. Nonostante alcuni brani partano da strutture melodiche semplici, l’improvvisazione rimane il cuore del progetto, trasformando ogni idea in una direzione inaspettata.

Anaglyph è un omaggio alla ricerca e alla sperimentazione, dove l’ascolto diventa un atto creativo e il significato emerge dall’incontro, non dalla premeditazione. Un lavoro per chi cerca profondità, libertà espressiva e un jazz che va oltre i confini tradizionali.

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In Celestial Keeper, Joey Alexander torna con un opera che celebra la natura e i ritmi della vita in Indonesia, fondendo composizioni originali e reinterpretazioni di classici come “Stella by Starlight” e “My Funny Valentine”. Il suo trio storico, con Kris Funn al contrabbasso e Jonathan Barber alla batteria, si arricchisce delle voci di Lisa Fischer e Alita Moses e del sassofono di Jaleel Shaw, creando un paesaggio sonoro di rara bellezza.

Ogni traccia è un omaggio alla melodia, dove la tradizione incontra l’innovazione in un dialogo tra improvvisazione e struttura. Alexander, nominato ai Grammy®, conferma il suo talento nel trasformare il pianoforte in uno strumento di narrazione pura, capace di evocare immagini e emozioni con ogni nota.

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Dead Words, del contrabbassista e compositore di Chicago Christopher Dammann, è una raccolta di spiritual contrafacts che traccia una linea dal bebop al free jazz fino ai nostri giorni. Con la collaborazione di Jim Baker al pianoforte, James Davis alla tromba e all’elettronica, Jon Irabagon al sassofono e agli effetti, e Mike Reed alla batteria, l’album bilancia uno swing profondo, un’improvvisazione aperta e un rigore compositivo. Un’audace dichiarazione personale radicata nella tradizione della musica creativa di Chicago, dove ogni nota sembra raccogliere l’eredità del passato per proiettarla in un futuro senza confini.

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Con Radio Casual, il chitarrista David Blake — originario di Vancouver e ora attivo nella scena jazz di Brooklyn — porta in primo piano la sua visione matura e innovativa. Il quartetto, formato da Dabin Ryu al pianoforte, Warren Louie al contrabbasso e Jonas Esser alla batteria, esplora composizioni originali che spaziano dal modal jazz all’improvvisazione collettiva. Un album che, con la sua ricchezza melodica e armonica, conferma Blake come una delle voci più interessanti della sua generazione, capace di fondere tradizione e sperimentazione in un suono accessibile ma profondamente sofisticato. La musica, qui, è un invito a riscoprire la gioia della scoperta.

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Terzo album dell’Ancient Infinity Orchestra, It’s Always About Liberation approfondisce la visione del collettivo, esplorando territori emotivi più scuri e introsettivi rispetto al precedente It’s Always About Love. Guidato dal contrabbassista e compositore Ozzy Moysey, il 16-elementi orchestra (con due contrabbassi, arpa, sassofoni, clarinetti, violino, viola, violoncello, oboe, flauti, mandolino, congas, pianoforte, batteria e percussioni varie) crea un universo sonoro espansivo e intimo, radicato nella condivisione e nell’intenzione collettiva.

Ispirato dalle parole di Moor Mother — “It’s always about love / It’s always about liberation” — l’album affronta temi di lotta, perseveranza e desiderio di trasformazione, senza mai arrendersi alla frammentazione del mondo. Tra meditazioni ipnotiche, groove crescenti e momenti di dolore collettivo, la musica ricerca la libertà e la connessione, lasciando che creatività e unione abbiano l’ultima parola. Un viaggio interiore ed esteriore, sempre proiettato verso l’universale.

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In Sangam & Friends, il leggendario sassofonista Charles Lloyd intreccia jazz, musica classica indiana e spiritualità in un viaggio sonoro ipnotico. Pubblicato da Blue Note Records, l’album è una celebrazione del collettivo Sangam, formato con il tabulista Zakir Hussain e il percussionista Eric Harland, arricchito da collaborazioni con musicisti di calibro internazionale.

Le composizioni, tra improvvisazione e struttura, respirano un’energia meditativa e vibrante, dove il sax di Lloyd dialoga con i ritmi complessi della tradizione indiana e le sfumature moderne del jazz contemporaneo. Un’opera per chi cerca profondità emotiva e virtuosismo tecnico, capace di trascinare l’ascoltatore in una dimensione senza confini.

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Light of Day, nuovo album del batterista e produttore Richard Spaven, è un viaggio sonoro che unisce il jazz contemporaneo a sfumature elettroniche. Con la sua firma inconfondibile, Spaven esplora ritmi complessi e atmosfere avvolgenti, creando un dialogo tra improvvisazione e struttura che cattura l’ascoltatore fin dal primo ascolto.

L’album, in uscita il 24 luglio 2026 per Edition Records, conferma la sua capacità di fondere tradizioni jazzistiche con sonorità moderne, offrendo un’esperienza ricca di dettagli e emozioni. Un lavoro che brilla per la sua coerenza artistica e la sua capacità di sorpendere.

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Il bassista Tony Grey unisce le forze con il leggendario pianista Bob James in Nostalgia, un progetto discografico pubblicato da Two for the Show Media che si distingue per la sua straordinaria sensibilità artistica. Questo album rappresenta un vero e prima classe viaggio sonoro intimo e melodico, capace di ridefinire i confini del jazz contemporaneo attraverso un linguaggio raffinato ma incredibilmente accessibile.

Nato da una collaborazione spontanea tra due generazioni di jazz, il disco mette in luce una straordinaria sinergia strumentale. Il tocco elegante di Bob James al pianoforte si intreccia alla perfezione con il fraseggio lirico e profondo del basso di Tony Grey. Il risultato è un’opera di grande respiro emotivo, ideale per gli audiofili e per chiunque desideri farsi cullare da atmosfere sofisticate e confidenziali. Nostalgia non è solo un tributo alla tradizione, ma un dialogo vivo e vibrante che proietta la purezza del genere verso il futuro.

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Registrato in un cottage remoto delle Outer Hebrides, The Shieling – Companion Pieces è un EP che estende l’atmosfera magica dell’acclamato album The Shieling (2025) di Fergus McCreadie. Qui, il pianista scozzese e il suo trio — David Bowden al contrabbasso e Stephen Henderson alla batteria — creano un dialogo sonoro in cui la melodia folk si fonde con l’improvvisazione jazzistica, in un equilibrio di chiarezza, spazio e intensità.

I brani, come The Pass e Ford the River, sono composizioni aperte e fluide, dove ogni nota sembra risuonare con l’eco dei paesaggi scozzesi. McCreadie, già riconosciuto come una delle voci più originali del jazz britannico, conferma qui la sua capacità di unire profondità emotiva e immediatezza, in un suono che parla direttamente al cuore. Un ascolto per chi cerca musica che avvolge, ispira e connette con la bellezza delle cose semplici.

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