Settembre 2026 – Le uscite discografiche

Disubbidire sempre è l’esordio del duo formato dal pianista Fausto Ferraiuolo e dal clarinettista Gabriele Mirabassi, due voci autorevoli del jazz contemporaneo. Un progetto nato al Torino Jazz Festival 2025, dove composizione e improvvisazione si fondono in un percorso di libertà creativa. Qui, la disobbedienza non è rottura, ma esplorazione consapevole: una tensione tra struttura e invenzione che dà vita a sonorità ruvide, ariose, imperfette, sempre in bilico tra rigore e abbandono.

L’album si ispira all’Art Brut, con la copertina firmata da Oswald Tschirtner, la cui essenzialità dialoga con la musica: sottrazione del superfluo per far emergere l’essenziale. Ferraiuolo, con la sua formazione classica e jazz, e Mirabassi, tra i clarinettisti più innovativi al mondo, reinventano il linguaggio musicale con un approccio irriverente ma colto, dove ogni nota è un atto di ricerca e trasformazione.

Un lavoro che tocca l’universale attraverso l’essenzialità: una linea, un respiro, una direzione ostinata. Per chi ama il jazz senza confini, dove la tecnica si piega all’emozione e la struttura diventa terreno di gioco infinito.

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Con RePaved, il sassofonista Jalen Baker intreccia jazz fusion e spiritual jazz per raccontare la storia dei quartieri 3°, 4° e 5° di Houston, cuori pulsanti della cultura afroamericana. Baker sente il dovere di preservarne la memoria in un’epoca di rapida gentrificazione, ispirandosi a giganti come Wynton Marsalis e Duke Ellington.

L’album è un viaggio sonoro tra improvvisazione e narrazione, dove ogni nota porta l’eco di figure come Jack Yates e Barbara Jordan, simboli di resistenza e progresso. Il jazz, con la sua libertà espressiva, diventa lo strumento perfetto per trasmettere emozioni e spingere all’azione: non solo informare, ma anche ispirare a tutelare un patrimonio culturale in pericolo.

RePaved non è solo musica: è un manifesto artistico che invita all’ascolto consapevole e al cambiamento.

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Il saxofonista sudafricano Linda Sikhakhane torna con LINDA, un album che segna una tappa fondamentale nel suo percorso artistico. Un’opera intima e profonda, dove lo spiritual jazz si fonde con l’eredità culturale africana e sonorità contemporanee, creando un’esperienza avvolgente e riflessiva.

Prodotto dal pianista Nduduzo Makhathini, il disco vede Sikhakhane accompagnato da un ensemble di talento: Cameron Campbell al pianoforte, Conway Campbell al basso, Kabelo Mokhatla alla batteria, oltre a ospiti d’eccezione come Phila Dlozi, Omagugu, Ovuyonke, ZuluBoy e Thabo Sikhakhane.

LINDA non è solo un album, ma una dichiarazione artistica che celebra la connessione tra musica, spiritualità e identità. Un ascolto imperdibile per gli amanti del jazz evoluto e delle sonorità che vanno oltre i confini.

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Il collettivo newyorkese Tree Ark torna con Tree Ark IV – Public Domain, un album che ridefinisce i confini del jazz attraverso una rilettura innovativa dei primi capolavori del Great American Songbook. Lontano dalle versioni convenzionali, il trio trasforma brani spesso trascurati in esperienze sonore uniche, mescolando spontaneità, armonia e un approccio profondamente personale.

Ogni traccia è una sorpresa: Softly as In a Morning Sunrise adotta uno stile “play like a horn”, mentre Poor Butterfly omaggia Puccini con una densità armonica coinvolgente. Miserlou, solitamente associata al surf rock, viene reinterpretata come modal jazz influenzato da Pharoah Sanders, e Bye Bye Blackbird passa da un’introduzione atonale a un groove travolgente.

L’album dimostra che la libertà nel jazz non risiede solo nell’improvvisazione pura, ma anche nella capacità di reinventare forme preesistenti. Con un equilibrio perfetto tra struttura e spontaneità, Tree Ark conferma il proprio ruolo di pioniere nella scena del jazz contemporaneo. Un lavoro essenziale per chi cerca profondità, dialogo musicale e coraggio sperimentale.

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Con il suo ultimo lavoro Momentism, pubblicato per l’etichetta Chill Tone Records, il pianista e compositore Jamie Safir si conferma come una delle voci più sensibili e interessanti della scena uk jazz contemporanea. L’album si sviluppa attorno alla classica formula del jazz piano trio, riuscendo però a superarne i confini tradizionali grazie a una straordinaria sinergia tra i musicisti e a una scrittura di rara bellezza.

In questo disco, Safir fonde con maestria la vibrante energia del london jazz con le atmosfere sofisticate e storiche tipiche della scuola di New York. Il risultato è un viaggio sonoro avvolgente, dove ogni nota sembra fluttuare in un perfetto equilibrio tra improvvisazione e melodia. Momentism non è solo una dimostrazione di eccezionale lirismo pianistico, ma un vero e proprio manifesto di come il jazz moderno possa essere al contempo colto, accessibile e profondamente emozionante.

Questo album rappresenta la scelta ideale per chi desidera perdersi in trame sonore eleganti e sfumate, perfette sia per un ascolto attento e concentrato che come colonna sonora per momenti di puro relax intellettuale.

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The Outer Banks di Paul Hanson, con la partecipazione di Charlie Hunter, Jeff Sipe e altri talenti, è un album che ridefinisce i confini del jazz fusion. Un lavoro ricco di sfumature, dove il sassofono di Hanson dialoga con la chitarra innovativa di Hunter e la ritmica ipnotica di Sipe, creando un sound elegante e sperimentale.

Pubblicato da Abstract Logix, l’album si distingue per la sua profondità compositiva e l’equilibrio tra improvvisazione e struttura. Ogni traccia è un’esplorazione sonora, capace di trascinare l’ascoltatore in un viaggio tra il groove urbano di New York e le atmosfere più astratte del jazz moderno.

Ideale per gli amanti del jazz fusion sofisticato, The Outer Banks conferma la capacità di Hanson e dei suoi collaboratori di reinventare il genere senza perdere la sua essenza. Un disco che merita attenzione per la sua ricchezza timbrica e la coesione artistica.

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Il quintetto NOVA FELLOWSHIP, nato su iniziativa del produttore Antoine Rajon, rende omaggio alla leggendaria collaborazione tra Steve Reid e Kieran Hebden (Four Tet). Registrato in una sessione live a Studio Pigalle, Continuum unisce jazz spirituale, funk e house, reinterpretando classici degli anni ’70 di Reid, brani di Four Tet e la traccia inedita “Morning Prayer”.

Con Zach Morrow alla batteria, erede dell’energia poliedrica di Reid, e una sezione fiati di Hermon Mehari e Francesco Geminiani (che debutta con il suo Nautilus, uno strumento in legno ispirato alla sequenza di Fibonacci), l’album è un viaggio ipnotico tra groove e sperimentazione. I pianisti Tony Tixier e Rob Clearfield tessono linee di basso avvolgenti e texture sintetiche, mentre la presenza di Hebden in studio sottolinea l’eredità di un sodalizio musicale indimenticabile.

Un tributo essenziale a due giganti della musica, dove tradizione e innovazione si fondono in un continuum sonoro senza tempo.

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Guardando oltre, quarto album del pianista siciliano Tommaso Genovesi, segna un nuovo capitolo nella sua discografia, questa volta in formato esclusivamente digitale per Caligola Records. Con la stessa formazione che ha inciso Open Spaces sei anni fa – Alberto Vianello al sassofono, Marco Privato al contrabbasso ed Emanuel Donadelli alla batteria – Genovesi consolida un sodalizio artistico di profonda intesa e coesione.

Nato nel 1959 e stabilitosi in Veneto, il musicista reinterpreta il quartetto jazz con composizioni originali che invitano all’ascolto attento. “Guardando oltre” non è solo un titolo, ma un manifesto: un’esortazione a superare le apparenze, a cercare bellezza e verità in un mondo sempre più complesso. La musica, come l’arte e la letteratura, diventa strumento per esplorare nuove prospettive, sfidando narrazioni preconfezionate e aprendo a modi inediti di comprendere la realtà.

Un lavoro elegante e pensoso, dove ogni nota è un passo verso una consapevolezza più profonda. Per gli amanti del jazz contemporaneo e intellettualmente stimolante.

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Composta nel cuore della pandemia, After The Storm è una visione musicale di un mondo migliore, dove l’umanità supera le divisioni. Satoko Fujii, con la sua orchestra, trasforma la crisi in un messaggio di ottimismo e solidarietà.

“Sognavo un mondo in pace dopo il Covid”, racconta la pianista. Un sogno di unità globale, dove la condivisione del dolore porta a soluzioni comuni. Nonostante la realtà abbia deluso queste aspettative, Fujii mantiene viva la sua fede nell’umanità, regalandoci un album luminoso e coinvolgente.

Le composizioni, eseguite con passione e precisione, sono un omaggio al potenziale umano di amore e connessione. After The Storm non è solo musica: è una preghiera laica per un futuro migliore, dove l’arte diventa strumento di cambiamento. Un lavoro che unisce profondità emotiva e raffinatezza orchestrale, confermando Fujii come una delle voci più innovative del jazz contemporaneo.

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Illusion è il debutto discografico del giovane trombettista salentino Antonio Macchia. Il progetto vede la guida di un quintetto d’eccezione – Michele Polga (sassofono), Daniele Gorgone (piano), Carlo Bavetta (contrabbasso) e Pasquale Fiore (batteria) – con la partecipazione speciale di David Boato su due tracce.

Una fusione di classico e jazz: Macchia, laureato in tromba classica a 19 anni e poi specializzato in jazz, dimostra una versatilità stilistica rara, passando da atmosfere liriche a improvvisazioni ad alta energia. Le composizioni, co‑scritte con Gorgone, sono caratterizzate da melodie avvolgenti, armonie sofisticate e ritmi dinamici.

Il disco si distingue per la qualità sonora delle registrazioni in studi professionali e per l’alchimia tra gli strumenti, che rende ogni brano una piccola narrazione sonora.

Illusion è ideale per chi cerca un’esperienza di ascolto ricca, contemporanea e profondamente musicale, capace di connettere la tradizione della tromba classica con l’avanguardia del jazz moderno.

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Il duo Obradovic-Tixier ridefinisce i confini del jazz con TOLD, un album che celebra 10 anni di collaborazione all’insegna dell’esplorazione sonora. Tra elettronica avanguardista e improvvisazione pura, i due artisti intrecciano melodie complesse e ritmi stratificati, creando un universo musicale futuristico e coinvolgente.

Ogni traccia è un dialogo tra tradizioni e innovazione, dove il sax di Obradovic e le texture digitali di Tixier si fondono in un linguaggio unico. TOLD non è solo una raccolta, ma una dichiarazione artistica che sfida le convenzioni, perfetta per chi cerca emozioni audaci e suoni inediti.

Un album che ispira e stupisce, ideale per gli amanti del jazz contemporaneo e delle sonorità sperimentali.

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Upcoming release dell’eclettica cantante e compositrice danese Emma Pilgaard, A Woman’s Voice è un album ambizioso che unisce lyrical songwriting e jazz moderno. In uscita l’11 settembre per April Records, etichetta di riferimento del jazz innovativo in Danimarca, il disco è il terzo lavoro originale dell’artista.

Un ciclo di canzoni ispirato alle vite di otto donne danesi che hanno segnato la storia: artiste, scienziate, attiviste come Anna Ancher, Else Marie Pade, Inge Lehmann ed Emilie Sannom. Non una semplice narrazione, ma una riflessione musicale sulla loro creatività, resilienza e eredità, tradotta in melodie avvolgenti, improvvisazione e riferimenti sonori sottili.

L’album vede la collaborazione di un sestetto internazionale di musiciste jazz di primo piano, che intreccia ballate intime, ritmi complessi e dialoghi ensemble espressivi. Un omaggio sonoro che va oltre la biografia, per dare voce all’ispirazione senza tempo di queste figure.

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A Distant Land segna il ritorno del quartetto di Rich Halley, con Michael Vlatkovich al trombone, Andrew Jones al contrabbasso e Carson Halley alla batteria. Registrato a Portland nel luglio 2025, questo ottavo album della formazione offre cinque composizioni originali e tre improvvisazioni spontanee, testimoniando la profonda intesa e la potenza espressiva del gruppo.

Halley, alla sua 27ª pubblicazione da leader, consolida la sua reputazione con un lavoro che si inserisce nella scia di capolavori come Fire Within e The Shape of Things. Un viaggio sonoro tra struttura e libertà, dove ogni nota rivela la matura esperienza e la ricerca costante di un artista che continua a ridefinire i confini del jazz moderno.

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Salt Catchers segna l’incontro tra il sassofonista inglese Andy Sheppard e due compagni di viaggio d’eccezione: la pianista italiana Rita Marcotulli e il contrabbassista francese Michel Benita. Un album che respira tranquillità e profondità, con otto composizioni originali di Sheppard e un omaggio a Carla Bley. Registrato a Lugano per ECM Records, il disco si distingue per un suono cameralistico, privo di batteria, che esalta la sensibilità e l’empatia tra i musicisti.

Sheppard, reduce da collaborazioni con Carla Bley e Steve Swallow, ha scelto questa formazione per esplorare nuove strade sonore, lontane dal suo passato chitarristico. “Volevo creare qualcosa di nuovo, ma che restasse fedele al mio mondo”, spiega. La mancanza della batteria non è una rinuncia, ma una scelta consapevole: un tributo agli anni trascorsi a suonare senza percussioni, in un dialogo intimo tra fiato, corde e tasti.

Rita Marcotulli, lirica e audace, e Michel Benita, attento alle sfumature folk, completano un trio dove ogni nota è un dialogo. Un album per chi ama il jazz raffinato, melodico e ricco di emozioni.

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Il pianista rumeno Lucian Ban e il suo ensemble Elevation tornano con Rush, un album che fonde jazz post-bop, avanguardia e suggestioni classiche. Un omaggio a giganti come Abdullah Ibrahim e Andrew Hill, reinterpretati con una voce unica, tra improvvisazione audace e melodie evocative.

Con Abraham Burton al sassofono, John Hébert al contrabbasso ed Eric McPherson alla batteria, il quartetto dà vita a un sound ricco di sfumature: dalla ballata ipnotica di “Dark Blue” al groove frenetico del brano omonimo, fino alla chiusura emotiva con “Golden Oriole”, una rilettura di un canto folcloristico transilvano. Un disco che celebra la maturità artistica di un ensemble tra i più distintivi della scena newyorkese.

Registrato in 24 bit / 96kHz, Rush è un’esperienza sonora immersiva, dove tradizione e innovazione si intrecciano senza soluzione di continuità. Per chi cerca un jazz che sa guardare al passato senza rinunciare al futuro.

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Un omaggio commovente e sofisticato: Jonathan Karrant celebra l’eredità di Diane Schuur, leggenda del jazz, con Full Circle – To Diane Schuur with love, un album che chiude un cerchio artistico e generazionale. Un progetto intimo e vibrante, nato dall’amicizia e dalla mentorship tra i due artisti, che segna il ritiro dalle scene di Schuur con una raccolta di brani iconici reinterpretati con eleganza contemporanea.

Tra le perle del disco, il duetto giocoso in “Caught a Touch of Your Love” e la versione latin di “What a Difference a Day Makes”, senza dimenticare l’emozionante addio musicale di Diane in “I’ll Be Seeing You”. Arrangiamenti curati da Tamir Hendelman e un ensemble stellare – con Graham Dechter, Alex Frank e Kevin Kanner – arricchiscono ogni traccia, fondendo tradizione e innovazione.

Un album che onora il passato e ispira il futuro, con la voce calda di Karrant e la firma inconfondibile di Schuur, per un ascolto che va oltre il tempo.

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I Two Dogs, duo formato da Beat Keller e Joke Lanz, portano in scena un esperimento sonoro unico con People Do Strange Things. Un album che sfida ogni categorizzazione, mescolando jazz, avantgarde e sampling con una libertà disarmante. Come extraterrestri che osservano la Terra, i due artisti svizzeri travolgono le convenzioni, fondendo MadHop, Death Jazz e Cyber Blues in un crogiolo di suoni senza pregiudizi.

L’album è un omaggio al caos creativo: da Jim Morrison a Hildegard Knef, passando per Tom Waits e Lydia Lunch, ogni influenza viene scomposta e ricomposta in una forma nuova. Un linguaggio sonoro che demedializza il rumore della società iperconnessa, trasformando il caos in arte pura.

Il nome Two Dogs nasce da un incontro surreale tra un Miniature Pinscher e un Irish Wolfhound, simbolo di un dialogo impossibile che diventa musica. Un’opera che supera i limiti umani, come un fake di un fake all’infinito, geniale e autentico.

People Do Strange Things non è solo un album: è una rivoluzione sonora.

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Con una radice profonda nella tradizione sud-slava e balcanica, i Söndörgő riescono a trasformare il patrimonio musicale ereditato in un dialogo vivace con il jazz e la musica classica. La loro capacità di fondere suoni antichi con un approccio improvvisativo e contemporaneo li rende unici nel panorama musicale odierno. L’incontro con la GroundUP Music di Michael League, leader degli Snarky Puppy, ha consolidato una collaborazione che va oltre il semplice rapporto discografico, diventando un vero e proprio scambio artistico. Dopo il successo di Gyezz con Chris Potter e il celebrato XXX per i 30 anni di carriera, i Söndörgő continuano a sorprendere, portando la loro energia tradizionale in contesti internazionali. Un esempio di come la musica possa essere sia radice che ali.

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Il Notarius Trio debutta sulla scena jazz con “Atto I”, un album audace per il post-bop contemporaneo. In uscita il 15 settembre 2026 per l’etichetta Angapp Music, il disco si distingue per una scelta estetica precisa: l’assenza del pianoforte. Questa configurazione pianoless non è un limite, ma una dichiarazione d’intenti che libera lo spazio sonoro, permettendo a Paolo Guerriero (sax), Giuseppe Pignatelli (contrabbasso) e Michele Cantarella (batteria) di dialogare su un piano di assoluta parità.

Registrato rigorosamente in presa diretta, l’album cattura l’essenza più autentica e l’energia estemporanea del trio torinese. Le composizioni originali si muovono in un perfetto equilibrio tra pulsazioni ritmiche incalzanti e momenti di profondo lirismo, dove l’improvvisazione collettiva diventa il vero motore della narrazione. “Atto I” si rivela così un manifesto artistico di grande spessore, capace di omaggiare la tradizione dei grandi pionieri del jazz e, al contempo, di proiettarsi verso il futuro con una voce originale, intensa e profondamente comunicativa.

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Matteo Addabbo Organ Trio celebra il suo quindicesimo anniversario con La danza dei cervelli rotti, l’ultimo disco in uscita il 16 settembre 2026 su CD audio e vinile 180 g in edizione limitata e numerata. Registrato in presa diretta, senza separazioni acustiche né post‑produzione, l’album cattura l’interplay spontaneo tra l’organo Hammond di Addabbo, le chitarre di Andrea Mucciarelli e la batteria di Andrea Beninati.

Il progetto, interamente firmato dall’artista senese, si presenta come una riflessione autobiografica e ironica sul caos globale, trasformato in una danza di suoni avvolgenti e groove elettrici. Il “suono di trio” che si è consolidato in anni di collaborazioni emerge con chiarezza e calore, facendo rivivere l’esperienza di un concerto live.

Il disco è l’ideale per gli amanti del jazz contemporaneo che apprezzano la purezza della registrazione analogica e la profondità emotiva di una composizione che unisce tecnica e sentimento.

Scopri un album che, oltre a celebrare il passato, guarda al futuro del trio con energia e integrità musicale.

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Se il mondo vi sembra sempre più strano e indecifrabile, i WOBBLE8 hanno la colonna sonora perfetta per guidarvi in questo caos. Guidato dal visionario bandleader Valentin Schuster, il quartetto – completato da Sofia Salvo, Sebastian Pfeifer e Dan Peter Sundland – debutta su etichetta Boomslang Records con l’album “The Moon is not there when nobody looks”.

Il disco si presenta come un’affascinante anomalia del panorama contemporaneo, fondendo stilemi jazz, scariche metal ed elettronica d’avanguardia della scuola berlinese. Il risultato è un genere elettrificato e oscuro, un amalgama ipnotico di pattern ritmici instabili e melodie spettrali che sembrano attrarsi e respingersi, simulando la forza gravitazionale di un buco nero.

Proprio come l’artwork di copertina, che accosta metallo arrugginito e antica pergamena, l’album è un collage sonoro di elementi analogici e digitali. La struttura dei brani si rivela come un puzzle in costante mutamento, dove ogni tassello si sposta continuamente per ridefinire l’architettura del suono.

Ispirandosi alla fisica quantistica e alla natura intrinsecamente fluttuante del nostro universo, i WOBBLE8 traducono la complessità della realtà in una materia sonora densa, magnetica e meravigliosamente instabile. Un ascolto imprescindibile per chi ama spingersi oltre i confini del convenzionale.

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Impure Imagination, terzo capitolo del progetto Pointless Beauty guidato dal bassista Al Swainger, è un viaggio sonoro dove cinematic fusion, jazz progressivo e texture elettroniche si fondono in un dialogo audace. Registrato in appena tre giorni, l’album cattura l’incertezza e l’onestà emotiva attraverso una improvvisazione collettiva che esalta la chimica del gruppo.

Le composizioni, stratificate e dinamiche, oscillano tra momenti di tensione e distensione, con arrangiamenti che ricordano le atmosfere di Weather Report e la sperimentazione di Pat Metheny. L’uso di elementi elettronici arricchisce il sound senza sovrastare la profondità jazzistica, creando un equilibrio perfetto tra struttura e libertà espressiva.

Impure Imagination si rivolge agli ascoltatori che cercano un jazz moderno, evoluto e ricco di sfaccettature. Un lavoro che sfida le convenzioni e invita a esplorare nuove dimensioni sonore.

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In occasione del centenario di John Coltrane, Branford Marsalis e Dianne Reeves rendono omaggio al genio del sax con Dedicated To You, un album che ripercorre le atmosfere intime e sofisticate del leggendario John Coltrane and Johnny Hartman (1963).

Accompagnato dal suo quartetto – con Joey Calderazzo al pianoforte, Eric Revis al contrabbasso e Justin Faulkner alla batteria – Marsalis duetta con la voce calda e avvolgente di Reeves, reinterpretando con eleganza sei standard dell’album originale. Arricchito da performance strumentali tratte dal repertorio coltraniano, il disco si trasforma in un tributo squisito, dove improvvisazione e melodia si fondono in un equilibrio perfetto. Un capolavoro per gli amanti del jazz classico e moderno, che celebra l’eredità di Coltrane con stile e profondità. Pubblicato da Blue Note Records, l’album conferma ancora una volta l’eccellenza artistica di Marsalis e Reeves.

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Matt Wilson’s Good Trouble torna con un album che celebra l’amore come forma di protesta gentile. “Love Is the Whole Thing, We Are Only Pieces”, in uscita per Palmetto Records, unisce brani di Andrew Hill e Tom Petty in un viaggio musicale tra gioia e riflessione. Con Tia Fuller, Anisha Rush, Dawn Clement, Jeff Lederer e Ben Allison, Wilson crea un’opera che esalta la comunità e la speranza.

L’album si apre con la dolcezza di “Wind Spirit”, per poi esplodere in energiche reinterpretazioni come “I Won’t Back Down” di Petty, trasformata in un inno di resistenza pacifica. Tra swing travolgente e momenti meditativi, il disco omaggia anche Jack DeJohnette con “Festival”, mentre “Black Fire” di Hill mostra la potenza solistica di Fuller e Lederer.

Un progetto che unisce musica e messaggio, ispirato dalle parole del poeta Rumi e dall’eredità di John Lewis. Wilson, con il suo stile inconfondibile, trasforma ogni nota in un abbraccio sonoro e spirituale, ricordandoci che “l’amore è tutto, noi siamo solo pezzi”. Imperdibile per chi cerca jazz autentico e coinvolgente.

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“here i am no i” è il debutto in duo del sassofonista Patrick Shiroishi e del batterista Jason Nazary, un lavoro elettroacustico e viscerale che supera i confini del jazz tradizionale. Nato come risposta al lutto per la scomparsa dell’amica Jaimie Branch, l’album è una meditazione sonora in movimento, registrata in un’unica sessione spontanea e carica di dolore trasformato in arte.

Le sette tracce, tra cui il singolo “self portrait against blue”, intrecciano sax e percussioni con elettronica e voci, creando un paesaggio sonoro organico e stratificato. Non è jazz puro, né ambient, né noise: è una poesia tonale che sfugge alle etichette, devota e profondamente umana.

Shiroishi, polistrumentista e poeta con alle spalle collaborazioni con Chelsea Wolfe e Dirty Projectors, e Nazary, batterista e produttore legato a progetti come Little Women e Elder Ones, danno vita a un’opera necessaria e commovente. L’album, disponibile in vinile blue marbled con artwork di Trevor Naud, è una testimonianza di resilienza artistica.

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Il panorama del jazz contemporaneo si arricchisce di una gemma di rara sensibilità con “OPEN”, l’album firmato dal duo madre-figlio composto dall’arpista Isabelle Olivier e dal chitarrista Raphaël Olivier, pubblicato sotto l’etichetta Rewound Echoes. Questo progetto rappresenta un punto di incontro straordinario tra generazioni e linguaggi musicali apparentemente distanti, fondendo con naturalezza jazz, moderne improvvisazioni e suggestioni del pop britannico.

La peculiarità del disco risiede nella sua architettura sonora, che si sviluppa come un vero e proprio dialogo intimo e giocoso tra l’arpa e la chitarra. I due strumenti si rincorrono, si sovrappongono e si completano, supportati da inserti vocali caldi e sussurrati che accentuano la dimensione introspettiva dell’opera. Non si tratta di una semplice esibizione di virtuosismo, ma di una narrazione emotiva in cui la rigorosa libertà dell’improvvisazione jazzistica incontra la cantabilità e la freschezza melodica tipiche del british pop.

“OPEN” si rivela così un’esperienza d’ascolto avvolgente, ideale per chi desidera perdersi in atmosfere rarefatte ma strutturate. Isabelle e Raphaël Olivier riescono a trasformare la complicità familiare in un codice universale, offrendo all’ascoltatore un viaggio sonoro capace di alternare momenti di profonda riflessione a passaggi di pura leggerezza ludica. Un’opera che ridefinisce i confini del jazz cameristico moderno.

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Wish I Could Tell You di Chris Hyson è un EP che esplora il confine sfumato tra ricordo e realtà, trasformando frammenti di infanzia in paesaggi sonori avvolgenti. Nato tra Siviglia e Londra, l’artista traduce le sue memorie più remote in una musica che oscilla tra chiarezza e ambiguità, familiarità e distanza.

L’album si distingue per l’equilibrio tra acustica e sperimentazione: chitarre calde si intrecciano a arpe delicate, mentre campionamenti e registrazioni manipolate evocano la natura imperfetta dei ricordi. Ogni traccia è una pennellata emotiva, più che una narrazione lineare.

Rispetto al precedente Sidekick, qui Hyson adotta un approccio più compositivo e strutturato, con partiture scritte in anticipo per piano e arpa. Il risultato è un’opera intima e raffinata, dove nostalgia e modernità si fondono in un sound cinematografico.

Un disco per chi ama la musica che sa raccontare storie senza parole, tra jazz, classica e improvvisazione.

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Renovation, il nuovo album live di Benny Green, segna un momento di rinascita artistica per il pianista, compositore e bandleader. Registrato dal vivo al Dizzy’s Club di New York, questo lavoro – il suo primo solo piano in concerto – offre 13 tracce tra originali e omaggi a grandi del jazz come Bobby Timmons, Randy Weston e Hoagy Carmichael. Un viaggio intimo e virtuosistico, dove Green esplora senza confini la voce del pianoforte, liberato dalle dinamiche del trio.

Protégé di Oscar Peterson e veterano di collaborazioni con leggende come Art Blakey e Freddie Hubbard, Green porta in Renovation l’energia del bebop e la profondità del post-bop, arricchite da una sensibilità melodica unica. Tracce come “For Duke Pearson” e “Cedar Would” rendono omaggio ai suoi maestri, mentre “This Here” di Timmons infonde un tocco bluesy e coinvolgente.

L’album è una celebrazione della spontaneità: Green si lascia guidare dall’ispirazione del momento, tessendo dialoghi sonori con il pubblico e riscoprendo la gioia della performance solistica. Un’opera essenziale per gli amanti del jazz autentico e raffinato.

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Philly Twisted è l’ottavo album di Josh Lawrence per Posi-Tone Records, un lavoro che celebra il ricco patrimonio jazz di Philadelphia con una freschezza creativa senza tempo. Il trombettista, innovatore e virtuoso, guida un ensemble di eccellenza: Willie Morris al sassofono, Altin Sencalar al trombone, Art Hirahara al pianoforte, Boris Kozlov al contrabbasso e Rudy Royston alla batteria.

L’album unisce profondità compositiva e performance mozzafiato, reinterpreta la tradizione con energie moderne e chiare melodie, offrendo un’ascolto dinamico e coinvolgente. Un ponte tra autenticità e innovazione, capace di conquistare sia gli appassionati di jazz che i nuovi ascoltatori. Un omaggio vibrante alla città che ha forgiato il suo suono.

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Ritornare, primo album per ECM di Enzo Favata con il suo Atlantico Quintet, è un’opera che intreccia jazz, musica da camera e improvvisazione in un paesaggio sonoro unico. Guidati dal sassofono e clarinetto di Favata, il gruppo – con Marcello Peghin alla chitarra, Daniele Di Bonaventura al bandoneon, Salvatore Maltana al contrabbasso e U.T. Gandhi alla batteria – dà vita a una musica ispirata agli incroci culturali dell’Atlantico e alle visioni di autori come García Márquez e Borges.

Le melodie emergono con naturale fluidità, trasformate da un dialogo spontaneo tra gli strumenti: le tessiture liriche dei fiati, le sfumature del bandoneon e il groove sottile della sezione ritmica creano un’atmosfera onirica e coinvolgente. Registrato a Monaco nel gennaio 2026 e prodotto da Manfred Eicher, l’album conferma come, in questo quintetto, il tutto sia molto più della somma delle singole parti.

Un lavoro raffinato e evocativo, perfetto per chi cerca un jazz colto, emozionale e radicato nella tradizione mediterranea.

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Frozen Flashes, il nuovo album di Okvsho, progetto svizzero dei fratelli Christoph e Georg Kiss, nasce da sessioni registrate tra Zurigo e Londra. L’approccio è radicato nel jazz più autentico: musicisti che suonano insieme in una stanza, improvvisando ritmi, texture e momenti spontanei. Questi frammenti, una volta catturati, vengono campionati, tagliati e riassemblati in nove tracce meticolosamente scolpite.

L’album si distingue per la capacità di trasformare istanti fuggevoli — un groove improvviso, una nota isolata, un dialogo tra strumenti — in spunti compositivi. Le collaborazioni con Azekel, Melodiesinfonie, FloFilz, Tenderlonious e Hadel arricchiscono ulteriormente il progetto, portando sfumature uniche in un contesto già ricco di sperimentazione.

Un lavoro che celebra l’imprevedibilità della musica dal vivo, ma che sa anche valorizzarla attraverso un processo produttivo attento e innovativo. Frozen Flashes è la dimostrazione di come il jazz possa evolversi senza perdere la sua anima più autentica.

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Nico Widdowson torna con On Fools and Clowns, l’ultimo disco firmato Trash City Records.

L’album si apre con sonorità pop‑rock intrecciate a synth malinconici, creando un paesaggio sonoro ricco di contrasti: melodie orecchiabili si scontrano con testi ironici e introspezione emotiva. I brani, dalla produzione nitida, alternano momenti di groove elettrico a pause più intime, dimostrando una capacità di narrazione musicale rara. La voce di Widdowson, al contempo calda e tagliente, guida l’ascoltatore attraverso tematiche di vulnerabilità, auto‑ironia e ricerca di identità, perfettamente in sintonia con l’estetica della label indipendente.

Se ami le composizioni che uniscono raffinatezza lirica a arrangiamenti moderni, On Fools and Clowns è la colonna sonora ideale per i momenti di riflessione urbana. Scopri un album che, con eleganza e audacia, ridefinisce il panorama indie contemporaneo.

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Il sassofonista e compositore Kevin Sun svela con Kevin Sun, I una delle sue opere più ambiziose, un album che bilancia composizione sofisticata e libertà improvvisativa. Uscito il 25 settembre 2026 per Endectomorph Music, il disco è il primo di una coppia di progetti paralleli, pensati per essere ascoltati in qualsiasi ordine. Un viaggio sonoro che ricorda i multiversi dei fumetti, dove ogni traccia esplora armonie complesse, ritmi incrociati e melodie avvolgenti.

Con un quartetto di eccezione – Max Light (chitarra), Walter Stinson (basso) e Jon Starks (batteria) – Sun dà vita a brani come Go In, un omaggio a Coltrane rivisitato con metri variabili, o Scrollwork, dove ogni strumento intreccia una controparte ritmica indipendente. Post-produzione meticolosa e arrangiamenti dettagliati fanno di questo lavoro un manifesto del jazz moderno, in cui la struttura serve l’improvvisazione, non la limita.

Per gli amanti del jazz che cercano profondità compositiva e energia dal vivo.

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Kevin Sun, II, secondo capitolo della doppia uscita del 25 settembre 2026, cattura l’intensità di un quartetto rodato sulle strade, registrato in una sola sessione allo Studio Terrarium di Minneapolis. Christian Li (piano), Walter Stinson (basso) e Kayvon Gordon (batteria) accompagnano Sun in un viaggio senza filtri, dove l’improvvisazione regna sovrana.

Tra i momenti salienti, la versione swing di Chanson di Ryuichi Sakamoto, con un solo di piano di Li che ridefinisce l’armonia, e Unformed, Shrouded by Fog, omaggio all’attrice Pik-Sen Lim, trascrizione armonizzata del suo monologo in Dark Souls. Non manca l’omaggio a David Lynch con Laura Palmer’s Theme, una cover intima e malinconica.

Un album che respira autenticità, per chi cerca jazz vivo, emozioni pure e un suono che parli direttamente all’anima.

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A due anni di distanza dai suoi precedenti successi, la cantautrice tedesco-nigeriana TOKUNBO torna con Lost & Found, un album raffinato che esplora i temi dell’identità, della memoria e delle radici. Ex voce dei Tok Tok Tok, l’artista firma il suo quarto lavoro solista, idealmente legato all’elemento dell’acqua per la sua natura fluida e mutevole.

Prodotto per Yoruba Girl Records, il disco si sviluppa come un racconto generazionale che unisce l’infanzia in Nigeria, l’adolescenza in Germania e la maturità artistica e personale. La cifra stilistica di TOKUNBO, definita “Folk Noir”, si esprime qui attraverso arrangiamenti acustici curatissimi, dove chitarre fingerpicking, archi avvolgenti e delicate influenze jazz valorizzano una voce straordinariamente espressiva.

Accompagnata da storici collaboratori e con il mixaggio del pluripremiato Marc Ebermann, l’opera si distingue anche come punto di riferimento per la comunità hi-fi grazie alla straordinaria qualità del suono, registrato nei BluHouse Studio di Amburgo. Brani come True DNA e 70s Magazine Memory affrontano con delicatezza l’empowerment femminile e i legami familiari. Lost & Found si rivela così un manifesto artistico ed estetico di rara bellezza, capace di fondere intimità acustica e respiro cinematografico.

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La pianista svizzera Gisela Horat torna con Trio Solo, un doppio album che unisce solo piano e trio jazz in un viaggio tra minimalismo, free improvisation e profondità emotiva. Registrato tra il 2024 e il 2025, il progetto – in uscita il 25 settembre 2026 per Unit Records – esplora la potenza del non detto, dove ogni nota acquista peso in un contesto di ascolto attento e restrizione espressiva.

Cresciuta tra le montagne del canton Uri, Horat fonde la formazione classica con una ricerca jazzistica autodidatta, trasformando memorie e osservazioni in composizioni che evolvono ad ogni esecuzione. Il trio, con Simon Iten al contrabbasso e Samuel Büttiker alla batteria, vanta una complicità decennale che permette alle sue idee di dispiegarsi liberamente, tra frasi composte e improvvisazione spontanea.

L’album alterna solo e trio in una struttura speculare, dimostrando come lo stesso tema possa mutare forma attraverso l’interazione collettiva. Tecniche di prepared piano – con feltro, piatti e conchiglie sulle corde – arricchiscono il suono di testure inaspettate, mentre brani come Leben ripercorrono idee musicali care all’artista, evolvendosi con il suo sguardo.

Trio Solo è un manifesto di riduzione creativa: meno note, più intensità emotiva. Un lavoro che celebra la pazienza, il silenzio e la fiducia tanto quanto la virtuosità, confermando Horat come una voce unica nel jazz contemporaneo.

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Intentions di megiapa è un’opera stratificata che unisce synth caldi, bassi fluttuanti e voci meditative in un percorso di guarigione e rinascita. L’artista di Los Angeles, tra electronic, jazz e R&B, trasforma le sue esperienze personali – la pandemia, una rottura, un trasloco – in un archivio sonoro di resilienza. Ogni traccia, dalle collaborazioni con The Growth Eternal e Ahmad Muhammad ai momenti solisti, respira autenticità e sperimentazione.

Con testi onesti come in Can’t Believe o la libertà cosmica di on the spaceway, l’album abbraccia la filosofia spirituale nera e la gioia come atto di resistenza. International Anthem, etichetta che ha creduto in lei fin dagli esordi, ne sottolinea la profondità artigianale.

Intentions non è solo musica: è un invito a fidarsi del processo, a sognare senza paura e a trovare bellezza nell’incertezza. Un disco che accompagna, ispira e guarisce.

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Considerato da molti uno degli artisti ritmici più influenti della sua generazione, Mark Guiliana torna con BEAT MUSIC 2.0, l’atteso follow-up dell’album candidato ai Grammy BEAT MUSIC! BEAT MUSIC! BEAT MUSIC!. Un progetto audace che fonde jazz, rock ed elettronica in otto composizioni cinematografiche, arricchite da sintesi retro e un sound visionario.

Al suo fianco, Nicholas Semrad, Stu Brooks, Tim Lefebvre e la voce di Gretchen Parlato, per un album che celebra la collaborazione umana in un’epoca dominata dall’automazione. L’ispirazione proviene dalla cultura dei videogiochi e dalla musica elettronica, reinterpretate attraverso la lente unica di Guiliana, il cui stile preciso e energetico definisce ogni traccia.

A completare l’esperienza, l’universo visivo 8-bit creato da Steve Wall, long-time collaborator dell’artista, che trasporta l’ascoltatore in una dimensione parallela. BEAT MUSIC 2.0 non è solo un album: è una dichiarazione artistica, un ponte tra passato e futuro, dove il groove incontra l’innovazione.

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Con Floating, il sassofonista francese Emile Parisien regala un album che è un inno alla pace e alla dolcezza, un contrappunto necessario in un mondo caotico. Accompagnato da Yaron Herman al pianoforte, Linda May Han Oh al contrabbasso e Prabhu Edouard alle tabla, Parisien intreccia jazz moderno e suggestioni globali, creando una musica intima, spontanea e profondamente umana.

Nato da un incontro quasi casuale durante una residenza a Parigi, il progetto si è trasformato in una sinergia straordinaria, dove ogni musicista porta la propria unicità: Herman con la sua immersione totale nella melodia, Edouard con la sua capacità di superare i confini sonori, Oh come elemento unificante, solido e versatile. Registrato in soli due giorni per preservare la freschezza dell’improvvisazione, Floating è chamber jazz senza etichette, dove l’ascolto reciproco e la libertà espressiva danno vita a brani che sembrano sospesi nel tempo.

Un disco che invita alla riflessione, dimostrando come la gentilezza e l’apertura possano essere la risposta ai conflitti. Musica che il mondo merita.

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Rachel Spencer, trombettista, compositrice e educatrice, ci regala con “The Next Right Thing” un album che è un viaggio intimo e trasformativo, scritto in un arco di cinque anni tra l’inizio della pandemia e il completamento del suo dottorato. Il disco, che vanta la collaborazione del trombonista Michael Dease, esplora temi come la mentorship, la resilienza creativa e la crescita artistica, ispirato dal consiglio di un mentore: “Fai semplicemente la prossima cosa giusta”.

Il brano omonimo, “The Next Right Thing”, riflette il suo percorso per ritrovare se stessa: il vamp quasi troppo lento simboleggia la sua irrequietezza e la necessità di impegnarsi appieno nei suoi sogni, mentre il cambio di groove oscillante rappresenta il superamento della paura, abbracciando appieno la sua identità di artista e educatrice. Ogni composizione è un passo consapevole verso un’arte autentica, celebrando la scelta di creare senza timori.

L’album, ricco di sofisticatezza armonica e dialoghi strumentali, si distingue per la capacità di Rachel di fondere il post-bop con groove contemporanei, offrendo un ascolto che ispira a muoversi con fiducia, anche quando la strada non è chiara. Un lavoro che onora la tradizione jazzistica mentre traccia nuove vie espressive.

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Memory Bomb segna il debutto solistico di Kiefer su Blue Note Records, un lavoro che consolida la sua reputazione di artista capace di fondere jazz e hip-hop con una sensibilità unica. Il suo stile, battezzato Over The Breaks, trascende i generi, portando l’ascoltatore in un universo sonoro dove ogni nota sembra scolpita con l’anima.

Prodotto insieme ai fedeli collaboratori Shibo e CARRTOONS, l’album brilla per la sua ricchezza timbrica e la profondità compositiva, arricchita da ospiti d’eccezione come Nate Smith, Walter Smith III, Erick The Architect e Amber Navran dei Moonchild. Ogni traccia è un’esplosione di creatività, dove le improvvisazioni jazzistiche si intrecciano con ritmi hip-hop stratificati e ipnotici.

Kiefer, spesso definito come uno dei segreti meglio custoditi della scena musicale di Los Angeles, dimostra qui di saper dare voce a un linguaggio musicale universale, capace di emozionare e sorprendere.

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In Watch Your Step, il sassofonista Doug Webb guida una sessione di jazz vivo e vibrante, dove l’improvvisazione regna sovrana. Con un suono potente e un senso del swing inconfondibile, Webb si ispira alla tradizione senza esserne prigioniero, offrendo assoli pieni di anima e personalità.

A sostenerlo, una rhythm section di eccezione: Brian Charette all’organo, maestro di versatilità, capace di spaziare dal blues grezzo al bebop sofisticato, Dave Sikula alla chitarra e John Lee alla batteria, che completano il sound con groove e sensibilità.

L’album brilla per la sua spontaneità: nessuna forzatura, nessuna sovrapproduzione. Il jazz qui respira, lasciando spazio a sorprese, rischi e dialoghi autentici tra i musicisti. Un lavoro che celebra l’arte dell’improvvisazione senza compromessi, perfetto per chi cerca emozioni genuine e suoni senza tempo.

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Il quartetto Delay 45 torna con I’ll Go Where You Go, un album che celebra oltre un decennio di collaborazione tra il trombettista Tom Avgenicos e i suoi compagni di viaggio musicali: Roshan Kumarage (piano, sintetizzatori), Dave Quinn (basso, sintetizzatori) e Ashley Stoneham (batteria, chitarra). Registrato in due giorni a Sydney, il disco cattura l’energia istintiva di una band unita da una fiducia profonda e una chimica unica, forgiata sin dai tempi del liceo.

L’album abbraccia improvvisazione spontanea e testure elettroniche, con brani come il titolo omonimo, che sfida le aspettative con un groove soul, o Ever-Present, dove un semplice input (“costruisci veloce”) si trasforma in un studio avvincente di slancio e liberazione. Amped esplora sonorità angular, mentre Bye For Now chiude in dolcezza, omaggiando i mentori Chris O’Dea e Judy Bailey.

Un lavoro maturo ma fresco, dove elettronica, looping e contrasti dinamici si fondono in una musica viva e meticolosa. Delay 45, acclamato come “una nuova pagina audace del jazz australiano” (Sydney Morning Herald), conferma il suo posto tra i pionieri del jazz contemporaneo, offrendo un testimone di amicizia, immaginazione e esperienza condivisa.

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Constellations and Hemispheres di Wadada Leo Smith è un’opera visionaria che unisce jazz avant-garde e profondità cosmica. Quattro ensemble distinti danno vita a un album ricco di sfumature, dove la post-produzione in studio amplifica l’esplorazione sonora. La suite di 22 minuti Dark Matter, Particles of Light, Mirror of the Unseen ne è il cuore pulsante: un viaggio ipnotico tra improvvisazione radicale e composizione strutturata. Smith, maestro della tromba e pioniere del jazz sperimentale, ridefinisce i confini del genere con un linguaggio audace e poetico. Un album per chi ama l’arte sonora senza compromessi, dove ogni nota è una stella in un firmamento di suoni.

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Creative Inspirations segna l’esordio discografico del Trio Imagination, un sodalizio straordinario tra il pianista David Virelles e due giganti del jazz creativo: il bassista Reggie Workman e il batterista Andrew Cyrille. Nato dalle ceneri del leggendario Trio 3, il progetto prosegue la tradizione di improvvisazione colta e dialogo intuitivo, arricchito dalla sensibilità cubana di Virelles.

Registrato al mitico Van Gelder Studio, l’album cattura un’energia rarefatta e poetica, dove ogni nota scaturisce da un ascolto profondo e una complicità unica. Spazioso, lirico e audace, il suono del trio si muove tra silenzi eloquenti e esplorazioni coraggiose, dimostrando come la musica possa essere sia intima che universale.

Un lavoro essenziale per gli amanti del jazz contemporaneo, dove la tradizione incontra l’innovazione in un equilibrio perfetto. Un capolavoro di improvvisazione collettiva.

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Il trio finlandese-norvegese formato da Olavi Louhivuori, Eivind Lønning e Kim Myhr debutta con Nubes, un album che supera i confini del genere per creare un universo sonoro intenso e progressivo. Registrato live al We Jazz Festival di Helsinki nel 2021, il disco unisce coesione, fiducia e ricerca, trasportando l’ascoltatore lontano dalle strade battute.

Louhivuori, batterista e compositore di fama, vanta collaborazioni con Tomasz Stańko, Anthony Braxton e Marilyn Crispell, oltre a premi come l’Emma per il miglior album jazz finlandese. Kim Myhr, chitarrista norvegese, si distingue per la sua sperimentazione compositiva, con progetti per ensemble internazionali e collaborazioni con Jenny Hval e The Necks. Eivind Lønning, trombettista, completa il trio con la sua visione audace e innovativa.

Nubes è un’opera organica e coinvolgente, che cresce in intensità con ogni nota. Un’esperienza unica per chi ama il jazz contemporaneo e l’avanguardia. Disponibile in formato CD e digitale per We Jazz Records.

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Remembrance di Cameron Brown and Dannie’s Calypso è un album che celebra la memoria musicale di due giganti del jazz: Don Cherry e Dannie Richmond. Con un approccio aperto e sperimentale, il contrabbassista Brown guida il suo ensemble in un viaggio tra improvvisazione libera, swing post-bop e omaggi commoventi.

Registrato live nel 2011, il disco cattura l’energia di un quintetto affiatato, capace di passare da suite complesse a ballate intime, come la malinconica Lullaby for George, Don and Dannie. Tra i momenti più vivaci spiccano la calypso Soft Seas e il blues festoso Rylie’s Bounce, mentre la cocktail suite – ispirata al metodo di Cherry – fonde melodie di Jobim, Coleman e Ayler in un flusso improvvisativo coinvolgente.

Un lavoro ricco di emozione e tecnica, che onora il passato senza rinunciare a una freschezza contemporanea. Per gli amanti del jazz autentico e visionario.

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Con Caged Bird, Ekep Nkwelle si conferma una delle voci più avvincenti del jazz contemporaneo, portando sul palco una maturità artistica rara. Prima ancora dei 27 anni, ha calcato palchi leggendari come il Newport Jazz Festival e Carnegie Hall, collaborando con giganti del calibro di Wynton Marsalis e Dee Dee Bridgewater. Ora, con il suo album d’esordio, regala al mondo una testimonianza intima e universale: la musica come via di liberazione.

Ispirato a I Know Why the Caged Bird Sings di Maya Angelou, il disco traccia un percorso dalla sofferenza alla speranza, intrecciando storie personali e riflessioni sull’umanità. Nove brani che uniscono eleganza compositiva e urgenza espressiva, svelando un’artista già padrona della sua arte. Caged Bird non è solo un album: è un inno alla resilienza, dove ogni nota ricorda che la musica può guarire e unire.

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Il sassofonista franco-svizzero Leon Phal ridefinisce i confini della musica contemporanea con il suo acclamato album “Bodies & Ideas”, pubblicato sotto l’egida della prestigiosa etichetta Heavenly Sweetness. Questa opera si distingue come un audace manifesto sonoro in cui la tradizione del post-hard-bop si fonde organicamente con le pulsazioni della cultura clubbing.

Il disco rappresenta un viaggio magnetico attraverso sonorità che spaziano dal drum & bass alla house, mantenendo sempre al centro un groove viscerale e irresistibile. Leon Phal, supportato da una band straordinaria, riesce a far dialogare la complessità armonica del jazz con la forza liberatoria della musica elettronica da ballo. “Bodies & Ideas” è un lavoro di grande spessore intellettuale ma estremamente fisico, pensato sia per l’ascolto attento che per il movimento.

Con questo album, l’artista si afferma come una delle voci più fresche e innovative della scena europea, capace di attrarre tanto i puristi del jazz quanto gli amanti delle sonorità dancefloor più ricercate. Un disco imperdibile che cattura perfettamente l’energia e la fluidità della musica moderna.

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“The Gallery Concerts IV: Sommerfest” non è semplicemente un album, ma la celebrazione di una visione. Registrato il 30 agosto 2025 alla ACT Art Gallery di Berlin per l’85° compleanno del fondatore dell’etichetta Siggi Loch, questo disco cattura un incontro irripetibile. Sotto la curatela di Andreas Brandis, tre generazioni di artisti ACT si sono alternate attorno allo storico pianoforte gran coda Steinway D, già amato da Alfred Brendel.

La tracklist fotografa nove intense performance in cui talenti emergenti come Johanna Summer, Jakob Manz ed Emma Rawicz dialogano con maestri del calibro di David Helbock e Daniel García. Fino a un finale straordinario che riunisce i pilastri della label: Michael Wollny, Lars Danielsson, Wolfgang Haffner e Nils Landgren, affiancati da Cæcilie Norby e Magnus Lindgren.

Il risultato è un’opera in cui i confini generazionali si dissolvono attraverso l’ascolto reciproco e l’improvvisazione istantanea. Un’istantanea imperdibile per gli amanti del jazz europeo, capace di mostrare come la tradizione e il futuro della musica possano fondersi in un unico, vibrante linguaggio comune.

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In Daydreaming, la sassofonista e compositrice italiana Carla Marciano trasforma il dolore e l’amore in una sinfonia jazz profondamente personale, dedicata al padre Giovanni. L’album, registrato con il suo quartetto storico (Alessandro La Corte, Aldo Vigorito, Gaetano Fasano e Dario Deidda al contrabbasso) e arricchito dall’Orchestra Filarmonica del Teatro Verdi di Salerno diretta da Antonio Sinagra, è un inno alla resilienza e alla rinascita.

Nato in un periodo segnalato dalla perdita dei genitori e dalla ripresa dopo un grave incidente stradale, Daydreaming intreccia ricordi d’infanzia, melodie condivise e abbracci immaginari, offrendo un paesaggio sonoro dove l’assenza si fa presenza. Le composizioni di Marciano oscillano tra riflessione intima, bellezza lirica e improvvisazione audace, con il suo sax alto e sopranino a guidare l’ascoltatore in un viaggio emozionale senza tempo.

Un disco che celebra la gratitudine, il coraggio e un amore che va oltre il tempo, confermando Carla Marciano come una delle voci più autentiche e innovative del jazz contemporaneo.

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