Q&A con Oan Kim
Ciao Oan, è un vero piacere fare due chiacchiere con te su Infinity Shakes.
Abbiamo analizzato l’album con grande attenzione e siamo rimasti molto colpiti da questa capacità di unire la malinconia “soffiata” di Chet Baker alle tensioni atmosferiche di Radiohead o Portishead. Si percepisce chiaramente che il lavoro collettivo svolto presso lo studio La Frette ha conferito ai brani una grana analogica e “sporca” che rende tutto profondamente cinematografico, quasi come se fosse la colonna sonora ideale per un film di David Lynch.
Prima di addentrarci nei singoli brani, volevamo farti i complimenti per come questo album confermi l’identità unica del tuo progetto.
Sull’equilibrio del “Dirty Jazz”
“I critici descrivono il tuo suono come un punto d’incontro tra l’eleganza di Chet Baker e la tensione dei Radiohead. Come riesci, tecnicamente, a mantenere la ‘ruvidezza’ del garage rock senza sacrificare la pulizia formale del fraseggio jazz?”
Oan: Le mie canzoni tendono generalmente verso il pop, il folk e il rock — melodia e armonia prima di tutto. Anche il mio stile di canto non è tipicamente jazz, ma quando scrivo specificamente per il sassofono, la tendenza si sposta un po’ più verso gli idiomi del jazz. Ma onestamente, nulla di tutto questo è davvero controllato. Ho passato del tempo a scrivere anche musica classica e musica classica moderna, e non cerco consapevolmente di inserirle, ma so che emergono qua e là. Ho in mente una direzione generale, poi lasciamo che le cose si sviluppino da sole. Inoltre, mi circondo di musicisti che hanno familiarità sia con il jazz che con il rock, e questo aiuta.
Sulla visione cinematografica e fotografica
“Oltre a essere un musicista, sei un fotografo e regista per l’agenzia MYOP. In che modo il tuo occhio ‘visivo’ influenza la scrittura di canzoni descritte come scene sospese tra realtà e fantasia, quasi come una colonna sonora per David Lynch?”
Oan: (Piccola correzione — non sono un regista a MYOP, ma solo un membro e co-fondatore). Mi attira la musica d’atmosfera con una forte trazione cinematografica; ho bisogno di sentirmi in estasi per quello che sto creando. Sono anche molto sensibile alla profondità del suono — questo mi sembra visivo. È quasi sinestetico, suono e vista si fondono l’uno nell’altro anche quando uno dei due non è fisicamente presente. Ogni testo parte da una scena che riesco a vedere, ispirata dalla musica stessa. David Lynch ha plasmato questo istinto per molto tempo, su molti livelli.
Sull’esperienza spirituale della title track
“In Infinity Shakes parli di ‘Kriyas’ e della vibrazione del corpo come una percezione del Tutto che sorge dal vuoto. Puoi spiegare come questa ricerca spirituale indiana si è tradotta nella struttura ritmica e ipnotica del brano?”
Oan: La canzone è stata originariamente ispirata dalla musica classica indiana, che amo e ho studiato al conservatorio. Anche l’idea della batteria deriva in modo vago dai pattern delle tabla. Il titolo cattura un paradosso che ho incontrato nelle pratiche contemplative, come quelle che si trovano in India: una profonda immobilità che lascia il posto alla vibrazione, uno stato in cui la calma profonda dissolve la solidità delle cose, lasciando solo impressioni fugaci e tremanti di forma, luce, suono e sensazione, come foglie che tremano al vento.
Sulla decostruzione dei classici
“In Habanera riprendi il celebre tema di Bizet, ma lo riarrangi in stile Tom Waits per trasmettere il dolore di una donna ferita. Qual è la sfida nel prendere un’aria d’opera così ‘perfetta’ e trasformarla in qualcosa di volutamente ‘storto’ e viscerale?”
Oan: Ho mantenuto la linea di basso e ho scritto una melodia completamente nuova sopra di essa. Mi piace lavorare con la musica di genere, ti dà qualcosa su cui appoggiarti e qualcosa da sovvertire, che è da dove nasce la freschezza. Permette anche all’ascoltatore di metterci la propria immaginazione, il che tende a essere a sua volta piuttosto visivo. Per la sezione vocale finale, ho immaginato un acceso litigio uscito direttamente da un film di Almodóvar.
Sulla metamorfosi delle canzoni
“Il brano ‘Garbage Truck’ era stato originariamente scritto per il duo electro-rock Chinese Army. Cosa ti ha spinto a recuperarlo e in che modo è cambiato il suo DNA, diventando una traccia jazz ‘sporca’ con influenze dei Velvet Underground?”
Oan: Quella canzone mi piaceva davvero molto e non volevo che morisse in silenzio su un vecchio hard disk. Volevo che trovasse posto accanto agli altri nostri brani, anche se ha finito per essere la traccia più rock del disco. I Velvet Underground sono uno dei miei gruppi preferiti e le loro impronte digitali appaiono in molti punti della mia musica, se si ascolta attentamente. Il mio sogno sarebbe stato una collaborazione tra Coltrane e i Velvet Underground negli anni Sessanta; entrambi avevano questa qualità simile alla trance che avrebbe potuto connetterli. Visto che non è mai successo, ho dovuto immaginare come sarebbe potuta suonare.
Sulle scelte strumentali insolite
“In Lullaby of Surrender, la sezione ritmica si affida esclusivamente alle mani che battono sulle cosce. Perché hai scelto questa soluzione spoglia e primordiale per accompagnare un testo che parla del trascorrere del tempo e della resa?”
Oan: Questa è stata un’idea del nostro batterista Simon Lemonnier. L’arrangiamento ha preso forma rapidamente una volta che lo abbiamo suonato come gruppo, partendo dalla chitarra tremolo di Benoît e dalla linea di basso retrò di Paul. La canzone aveva bisogno di silenzio dall’inizio alla fine e, dopo aver provato diverse opzioni, le mani battute sulle cosce si sono rivelate la consistenza giusta.
Sulla dinamica collettiva
“I crediti rivelano uno stile di scrittura profondamente condiviso con i membri dei Dirty Jazz. In che modo l’atmosfera vintage dello studio La Frette ha favorito questa creazione collegiale rispetto a un lavoro puramente solista?”
Oan: Prima di registrare, abbiamo trascorso un lungo periodo in residenza insieme, lavorando sui brani che avevo scritto. Alcuni di essi hanno fatto molta strada dalla prima demo alla versione finale. Matthis Pascaud, che ha prodotto l’album, si è unito a noi per l’ultima parte della residenza e ha contribuito a dare ai brani la loro forma definitiva.
A La Frette abbiamo sfruttato appieno la casa stessa — la batteria, in particolare, era posizionata ai piedi della scala principale in legno della villa. Il riverbero che si sente nell’album non avrebbe potuto provenire da uno studio normale; è integrato nella stanza. Anche ogni singola apparecchiatura era vintage, che è esattamente il suono che cercavamo: rotondo e ruvido nei punti giusti.
Sulle radici e l’eredità culturale
“Le note di copertina suggeriscono che la tua doppia eredità franco-coreana contribuisca a creare una musica che suona ‘incredibilmente singolare eppure stranamente familiare’. Ti vedi come un artista che cerca di ricostruire un ‘Paradiso Perduto’ attraverso il suono?”
Oan: Non proprio. Ciò che una doppia cultura ti dà in realtà è la pratica; la pratica di fare da ponte tra gusti, valori, abitudini e cibi diversi. Smetti di cercare di appartenere a un’unica stirpe e diventi invece naturalmente più flessibile. Impari a fare una zuppa di cipolle alla francese con dentro il kimchi, senza alcuna vergogna.
Sull’ansia esistenziale e le influenze indie
“Per This Life of Mine citi l’influenza dei Flaming Lips e affronti il tema della tensione ansiosa. Come hai lavorato con la batteria per renderla ‘lirica’ pur sostenendo un testo così cupo sulla fine della vita?”
Oan: In realtà il testo non parla della fine della vita — piuttosto della fine di un certo tipo di vita: una costruita sui traguardi, sull’attaccamento, sul significato, e sul momento in cui ti rendi conto che questo non è il modo più gratificante di vivere. Quindi la canzone è incoraggiante, a modo suo — parla di liberazione. La musica doveva essere prima di tutto ambiziosa e toccante; i testi sono venuti dopo. La demo originale era più che altro una ballata. Poi è arrivata la parte di chitarra incalzante di Benoît, seguita da basso e tastiere che formavano una sorta di nastro trasportatore sotto la melodia, ma è la batteria di Simon che dà davvero vita al brano. È l’unico elemento della canzone che rimane completamente libero, quasi gioioso, dall’inizio alla fine.
Sul dialogo con il passato del jazz
“In Ghost Whale evoki esplicitamente il fantasma di Wayne Shorter. Quali elementi delle sue armonie impressioniste hai voluto portare in questa ballata notturna che sembra fluttuare nel vuoto dell’universo?”
Oan: Ho sempre amato le armonie impressioniste e le melodie noncuranti di Wayne Shorter, hanno un carattere sognante. Sono felice di dove abbiamo portato questa influenza: qualcosa di più contemporaneo, ma più oscuro e cupo, come una collaborazione tra Wayne Shorter e King Krule.
Grazie mille per il tuo tempo e per la chiarezza con cui hai condiviso questi dettagli tecnici e poetici. È stato stimolante scoprire i retroscena di un album così denso.
Abbiamo anche seguito con interesse la playlist che hai curato su Spotify: vedere giganti come Miles Davis e John Coltrane (le cui influenze abbiamo ritrovato nella genesi di Nous guettons) accostati a visioni moderne come quella di Makaya McCraven, o all’energia dei The Doors, dei Velvet Underground e di Tom Waits spiega molto della complessità sonora dell’album. Infinity Shakes è chiaramente il prodotto di una vasta cultura musicale che trascende i confini di genere.
In bocca al lupo per il lancio ufficiale del 4 settembre!
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