C’è una qualità rara nel jazz contemporaneo, una sorta di “onestà senza filtri” che spesso si perde tra le pieghe della produzione patinata e l’ansia di compiacere il mercato. We Dream di Lakecia Benjamin appartiene a questa categoria: un lavoro che non cerca di impressionare attraverso la sola virtuosità, ma che usa il suono come spazio di relazione, memoria e responsabilità collettiva.
Nelle parole della Benjamin emerge con chiarezza una visione artistica costruita attorno all’idea di comunità. La presenza di musicisti come Chris Potter, Hiromi o Terence Blanchard non viene mai trattata come semplice prestigio da esibire, ma come parte di un racconto più ampio, guidato da una precisa identità autoriale. Benjamin parla spesso di sé come “l’architetto” della musica, ma lo fa senza trasformare la leadership in centralità egoistica: il suo interesse sembra piuttosto quello di creare un linguaggio condiviso, capace di mettere ogni voce al servizio della storia.
Ciò che rende questa conversazione particolarmente interessante è proprio il modo in cui l’artista lega il piano musicale a quello umano. We Dream nasce dopo Phoenix, ma invece di proseguire nella dimensione autobiografica della rinascita personale, sposta il baricentro verso il concetto di “noi”. Non c’è retorica nelle sue risposte: quando parla di vulnerabilità, di energia collettiva o della necessità di “sognare il mondo che si vuole vedere”, il discorso resta sempre ancorato alla pratica concreta della musica e dell’ascolto reciproco.
Anche il suo rapporto con il pubblico sfugge a qualsiasi atteggiamento dogmatico. Benjamin non pretende un ascoltatore ideale né una modalità corretta di vivere il concerto: desidera semplicemente creare uno spazio in cui le persone possano sentirsi presenti, ciascuna a modo proprio. È una posizione che racconta molto della sua idea di jazz — non un rito elitario, ma un’esperienza umana aperta, mutevole e profondamente condivisa.
The Light Beyond the Dream
Prefazione editoriale
Grazie per aver dedicato del tempo a parlare con noi. Nel corso della tua carriera, la tua musica ha costantemente unito intensità tecnica, energia collettiva e riflessione sociale. Con We Dream, questo dialogo sembra spostarsi ancora di più verso una dimensione condivisa e comunitaria.
Questa conversazione parte dai primi singoli e dalle collaborazioni pubblicate per l’album, ma mira anche a esplorare la visione artistica più ampia dietro il progetto: il rapporto tra improvvisazione e narrazione, il ruolo del suono collettivo e l’idea della musica come forma di connessione umana in tempi incerti.
I. L’universo di We Dream e le sue radici
Lakecia, il 13 marzo è uscito “Flame Keeper”, che vanta una formazione eccezionale con artisti come Chris Potter e Hiromi. Il brano crea un notevole senso di slancio e pressione sonora. Come hai selezionato questi musicisti e in che modo la presenza di identità musicali così forti ha influenzato la scrittura del pezzo e il tuo ruolo al suo interno?
L.: Ho scritto il brano pensando a Hiromi e Chris Potter. Hiromi è una delle poche artiste con cui condivido una vibrazione di alta energia ed elettricità durante l’esecuzione. Volevo una canzone che mettesse in risalto questa parte della sua personalità, in modo che fosse libera di essere se stessa e di contribuire genuinamente con ciò che sentiva.
Avere ospiti scelti accuratamente mi permette di amplificare il messaggio o la storia dell’album. Io sono sempre l’architetto, ma avere degli ospiti ci unisce quasi in una stessa causa, insieme al significato delle loro identità.
Il secondo singolo, “Mi Gente”, richiama immediatamente le tue radici a Washington Heights e l’influenza della cultura dominicana sulla tua formazione. Cosa volevi che questo brano comunicasse a livello emotivo e culturale all’interno della narrazione più ampia di We Dream?
L.: Ogni traccia dell’album porta l’ascoltatore in una scena diversa della storia di un film. “Mi Gente” trasporta direttamente il pubblico e l’ascoltatore in un capitolo della mia vita che mi ha fatto iniziare con la musica.
È qui che il mio amore per la musica è nato, è stato incoraggiato e nutrito. Sto presentando all’ascoltatore le sensazioni e i suoni entusiasmanti che ho ascoltato, nella speranza che possano ispirarli e trasmettere loro quelle stesse emozioni.
“Mi Gente” significa “la mia gente”. E le persone della Terra sono la mia gente.
In studio per We Dream hai riunito un cast stellare, mentre in tour ti vedremo con la tua band storica. Come cambiano tecnicamente le composizioni nel passaggio dal disco al palco? In assenza di figure come Chris Potter o Terence Blanchard, come si riorganizza la band per mantenere la stessa intensità sonora e lo stesso impatto emotivo?
L.: Non cambiano affatto. Io sono l’autrice, la compositrice e la direttrice della storia in ogni momento. Gli ospiti sono così potenti e straordinari, ma servono solo a migliorare e amplificare il messaggio, per renderlo inequivocabile.
Quindi, quando suoniamo dal vivo, in un certo senso torniamo alle emozioni e ai sentimenti grezzi che sto presentando.
Nei video delle Live Studio Sessions dei singoli, vediamo un ensemble estremamente coeso. Rispetto ai tuoi progetti precedenti, quanto spazio hai lasciato all’improvvisazione collettiva durante le sessioni? Il processo è stato guidato rigorosamente dalla tua scrittura o collaboratori come Oscar Pérez ed Elias Bailey hanno attivamente rimodellato la musica dall’interno?
L.: Non sono sicura che l’album sia più coeso dei precedenti, ma ti ringrazio per il complimento. La crescita e l’evoluzione sono importanti per me. Forse, con il tempo e con ogni tentativo discografico, sto maturando, crescendo e diventando più chiara su come presentare l’arte e la storia.
Ogni musicista e il suo talento influenzano la canzone e la sua esecuzione. Ogni artista suonerà un brano in modo diverso, ed Elias, Oscar e Jonathon sono con me a tempo pieno, quindi siamo come una famiglia. Ma non rimodellano la musica… suonano quello che scrivo, ahah.
II. Dalla ricostruzione alla proiezione — La visione di We Dream
Dopo il percorso profondamente personale di Phoenix, hai descritto We Dream come un tentativo di diventare “una luce brillante in uno spazio oscuro”. Questo album è nato come un modo per trasformare la guarigione individuale in un’esperienza più collettiva e comunitaria?
L.: Si può pensare in questo modo, ma il tema della guarigione sarebbe diverso. Phoenix riguardava la rinascita e il mostrare, attraverso l’urgenza e l’azione, cosa significhi essere resilienti.
We Dream chiede all’artista e all’ascoltatore di scavare a fondo ed esporre tutti i difetti e le vulnerabilità — di presentarsi nudi, così come si è nel mondo in questo momento — e, nonostante le circostanze, di sognare il mondo che si vuole vedere. Di unirsi collettivamente per creare insieme un pianeta di cui essere orgogliosi.
Quindi Phoenix era più un viaggio interiore, mentre We Dream si concentra davvero sul “noi”.
Con artisti del calibro di Terence Blanchard, Black Thought, Jeff “Tain” Watts, Hiromi e Chris Potter coinvolti, come hai mantenuto l’identità collettiva di We Dream senza permettere che il progetto diventasse semplicemente una vetrina di star?
L.: In qualsiasi progetto io faccia, la mia energia e la mia vibrazione sono così forti e impresse nel lavoro che non mi preoccupo mai di non risaltare. Perché sono io a produrre, a scrivere tutta la musica, a suonare come leader e a scrivere la poesia.
Ogni canzone con un ospite è stata scritta pensando a quell’ospite. Si adattano perfettamente perché creano i suoni che ti aspetti di sentire da loro nei punti chiave.
La cosa più bella delle collaborazioni, che apprezzo molto, è l’amplificazione che avviene. Quando suono la mia canzone e le mie emozioni stando accanto a Chris Potter che suona ad alto livello, questo porta tutti al livello successivo.
La title track, “We Dream”, vede la partecipazione di Tarriona “Tank” Ball, la cui presenza introduce una forte dimensione di spoken-word e poesia. Perché hai sentito che questo progetto richiedesse specificamente il linguaggio e la poesia accanto all’espressione strumentale? C’erano emozioni o idee che il sassofono da solo non riusciva a comunicare appieno?
L.: L’album in realtà inizia con me che faccio poesia in “First Light”, l’intro di “Beyond the Dawn” con Terence Blanchard. Volevo che l’album avesse diverse forme di narrazione, in modo che l’ascoltatore fosse a volte guidato e aggiornato man mano che cambiavamo scena nell’album.
Per dire direttamente cosa sta succedendo e comunicare ciò che stiamo esprimendo senza barriere.
III. Identità, suono e visione artistica
Spesso descrivi la musica come un atto di servizio piuttosto che di ego. In termini musicali pratici, come si traduce questa filosofia nel ritmo, nelle dinamiche, nelle melodie e negli arrangiamenti di We Dream?
L.: Non si traduce in dinamiche, melodie e arrangiamenti pratici. È una scelta spirituale e filosofica. È l’intenzione dietro le note che scegli e come scegli di suonarle.
Ti stai mettendo in mostra o stai suonando ciò che il momento richiede? È umiltà e resa alla volontà dell’universo e al proprio scopo.
Hai spesso parlato dell’importanza di rimanere autentici — suonando solo ciò che si è e ciò che si è vissuto. Dopo Phoenix e ora We Dream, senti che il tuo linguaggio musicale è diventato più essenziale o forse più complesso?
L.: Questa sembra più una domanda per te, l’ascoltatore. Posso sentire di crescere e imparare a conoscere meglio la profondità della vita e della musica, ma non sono sicura di come questo si traduca per gli altri che ascoltano la mia musica.
Ma sì, spero che la mia capacità tecnica e armonica stia crescendo.
Ascoltando i tuoi album in sequenza, si ha l’impressione di una narrazione più ampia in evoluzione — dall’identità urbana di Retox alla dimensione collettiva di We Dream. Questa continuità è qualcosa che costruisci consapevolmente nel tempo, o ogni album emerge indipendentemente come risposta al momento che stai vivendo?
L.: Sì, ogni album è una storia che sto raccontando. E la storia cambia. Quasi come un autore che scrive nuovi libri: non vuoi continuare a raccontare la stessa storia anno dopo anno.
IV. Il rapporto con il pubblico e la dimensione umana della musica dal vivo
Spesso incoraggi il pubblico a “sentire l’energia della stanza” mettendo via i telefoni e riconnettendosi con l’esperienza fisica della musica. In un mondo sempre più mediato dagli schermi e dal consumo digitale, come pensi che la musica dal vivo possa ancora creare una vera connessione umana?
L.: Non incoraggio il mio pubblico a mettere via i telefoni. Dico loro di fare tutti i video che vogliono, di mandare messaggi se vogliono, di mettere via i telefoni se vogliono, ecc. Sono qui per incontrarli nel momento in cui si trovano, non per consigliare loro come vivere la musica o come gestire le emozioni che incontrano durante lo spettacolo.
Sto creando uno spazio sicuro dove possono semplicemente essere. E facendo così, scoprirai che qualcuno che riprende un video di te che suoni non è meno presente di qualcuno che ascolta e balla. Ognuno si impegna in modo diverso.
La gioia della musica dal vivo è che fa sentire tutti. È una cosa bellissima. Una persona potrebbe incontrare l’amore della propria vita, mentre un’altra potrebbe essere triste e sola e aver bisogno di guarigione. Noi siamo lì per entrambi.
Conclusione
Dalle sue risposte emerge il ritratto di un’artista perfettamente consapevole del proprio ruolo, ma altrettanto attenta a non trasformare la musica in un esercizio di autoreferenzialità. Lakecia Benjamin parla di composizione, improvvisazione e performance come strumenti per creare connessione, non come occasioni per affermare una superiorità tecnica o intellettuale.
È forse questo l’aspetto più interessante di We Dream: la capacità di tenere insieme forza individuale e dimensione collettiva senza sacrificare né l’una né l’altra. La Benjamin guida con decisione il proprio universo sonoro, ma lascia costantemente spazio all’incontro, alla vulnerabilità e alla trasformazione reciproca che avviene dentro la musica.
In questo periodo tumultuoso, pieno di incertezze e di consumo distratto, la sua visione ricorda che il jazz può ancora essere un luogo di presenza reale, di ascolto e di dialogo. Non una semplice evasione, ma una forma di partecipazione emotiva e culturale. E forse è proprio qui che risiede la forza più autentica di questo progetto: nell’idea che ogni storia musicale abbia senso solo quando riesce a diventare, almeno per un momento, anche la storia di qualcun altro.
Tracklist
2. Beyond the Dawn (ft. Terence Blanchard)
3. My Only (ft. Sean Jones)
4. Mi Gente (ft. Chief Xian aTunde Adjuah)
5. Ascension
6. DreamBreaker (ft. Chris Potter, Jeff “Tain” Watts, Sean Jones)
7. We Dream (ft. Tarriona “Tank” Ball)
8. Flamekeeper (ft. Hiromi)
9. Hiromi Jam (ft. Hiromi)
10. Right Now (ft. Bilal and Kassa Overall)
11. New World
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